Tiempo de Blues

Expone Fernando Robles en el Franz Mayer

2007-10-24T11:10:00.000-05:00

Miércoles 24 de octubre de 2007

Pulquerías del siglo XIX,
el título de la muestra que se inaugurará mañana

Podría comenzar la nota con un blues por las pulquerías, pero dejemos la nostalgia y empecemos con una pregunta: ¿Cuántas pulquerías quedan en la ciudad de México? Se menciona que no pasan de una veintena, de las más de mil quinientas que expendían el tonificante neutli a principios del siglo XX.

Tradición a punto de extinguirse. De las que quedan, pocas conservan de ese colorido que Antonio García Cubas menciona en su Libro de mis recuerdos: Lavados estaban el mostrador y los aparadores, en los que lucían vasos enormes de vidrio, manojos de apio y cerros de tuna colorada, para curar el pulque, las paredes enfloradas con picados papeles de colores y las puertas con enramadas de saúz.

Los músicos populares eran parte de esos expendios; arpa, salterio, guitarrón, violín y bandolón amenizaban esas tertulias del pueblo, en las que se bailaban jarabes y sonecitos, y en las que de repente surgía el grito a todo pulmón: Ay, pulque de las verdes matas, tú me tumbas, tú me matas, tú me haces andar a gatas.

Catrinas, chivos, macetas de dos litros, bolas, cañones de a litro y los tornillos, estos últimos servidos en una bisagra (tabla perforada en la que cabían seis tornillos), nombres que poco se conocen ya. En las pulquerías había espacio para la rayuela (nada que ver con ese juego milenario que conocíamos como teja). También se jugaba el Rentoy, para mentes de agilidad asombrosa inventado en Europa, en el siglo XVI, perteneciente al Renacimiento, pues se juega con baraja española y se vale hacer señas, según la carta que le toca a cada participante. Era cómico ver como cerraban un ojo o ponían la boca de lado y de repente gritar: envido pichón de nido y se golpeaban el pecho.

Degusté los ricos curados de apio o de guayaba en Las Licuadoras o en La hija del Apache y en la Haz por Venir. Recuerdo también la famosa anécdota del pulquero que bautizó a su negocio con el nombre de Los Caballeros de Colón y ante la protesta de la Mitra sencillamente se lo cambió por el de Las Mulas de Don Cristóbal.

Por eso nos da un enorme gusto que en el Museo Franz Mayer se haya montado la exposición titulada Pulquerías del siglo XIX, cuyo autor es un pintor fuera de serie, Fernando Robles, que nació entre pisos de tierra, vigas retorcidas de mezquite y muros de adobe, en medio del candente desierto sonorense: Etchojoa, para ser exactos.

Pueblo con ocho cantinas alrededor de la iglesia, de la cual salían cantos desgarradores de los indios, recordó Fernando de su niñez. A la pregunta del porqué hacer una obra descomunal sobre las pulquerías y de la bebida desconocida por esas latitudes, respondió: Es una recreación teatral, los personajes populares de una pulquería son como sacados de una ópera, catarsis, derrota-triunfo, la misma pulquería es un escenario.

El oficio de Fernando Robles está plasmado en ese gran mural de 24 metros de largo, en el que predominan los sepias y negros sobre papel de algodón, con la ductilidad del papel de china. En 1979 el Festival Internacional de Pintura de Cagnes-sur-Mer, Francia, convocó a más de 300 participantes de 30 países, y Robles obtuvo el primer premio de este renombrado certamen. Su obra ha sido expuesta en Londres, Lyon, París, Burdeos, Luxemburgo, Chicago y Sao Paulo.

Con su obra, Fernando Robles nos recuerda que en la pulquería todos tenemos cabida, todos tenemos pertenencia, porque en este mundo matraca de morir nadie se escapa, escribió Claudia Burr en la invitación de la exposición. Los personajes de este mural son todas calacas, pelonas que nos pelan los dientes, porque a las pulquerías se va a olvidar, a compartir los olvidos.

La exposición será inaugurada el jueves 25 de octubre en el Museo Franz Mayer para recordarnos a lo largo de esa larga historia en papel que aún subsistimos, porque quien toma pulque y come nopal, vive al fin un montonal. Mientras, voy a echarme un curado en La Conquista de Roma por los Aztecas. Aí’nos vemos.

Pulque bendito, dulce
tormento. ¡Qué haces ahí
afuera, vente pa’dentro!

One mo’time

2007-10-20T12:06:00.000-05:00

19 de octubre de 2007

El bar del hotel Monteleone presentó el vodka Absolut New Orleans, con sabor a mango y un ligero toque de pimienta negra, en una edición limitada de 35 mil cajas. El lanzamiento está acompañado de una donación de 2 millones de dólares para reconstruir la ciudad

Primera llamada

Se cumplieron dos años de que el huracán Katrina dejó sepultada bajo las aguas a Nueva Orleáns, cuna, junto con el Delta del Mississippi, del jazz y el blues.

¿Qué hace que el ser humano insista en vivir en zonas de riesgo a pesar del peligro que representa? Temblores van y vienen, inundaciones, tsunamis, volcanes, huracanes y una larga lista que nos llenaría este espacio y que sólo nos recuerda que nuestro planeta, el hogar común, está vivo, en constantes reacomodos (en México algo sabemos al respecto).

Antes de que los europeos llegaran a esa región, los naturales conocían el peligro que representaban los cauces desatados del Viejo Río, el Mississippi.

En los recuentos de esta tragedia los que más han sufrido han sido los más pobres (¿en dónde hemos oído esto?) Se han escrito infinidad de artículos sobre la reconstrucción de Nueva Orleáns y tal parece que la lección de la naturaleza no sirvió de mucho.

Esta ciudad y otras de la misma zona nunca debieron haberse construido ahí. En cuanto a desastres, la historia es larga, pero también por ser una región en donde se dieron los más formidables mestizajes culturales y musicales de Estados Unidos.

En 1803, Francia, léase Napoleón I, le vendió a la joven y modesta nación el territorio de la Nueva Francia, Louisiana, que abarcaba una superficie un poco mayor a la de la actual República Mexicana (más de 2 millones de kilómetros cuadrados).

Alguien por ahí comentó: Si Napoleón hubiera sabido lo que en un futuro Francia podría haber ganado por derechos de autor, quizá no la hubiera vendido.

Segunda llamada

El discurso que el músico Wynton Marsalis (Nueva Orleáns, 1961) pronunció sobre lo acontecido en su ciudad natal, ha sido comparado al I have a dream, de Martin Luther King. Temo que las cosas no han cambiado mucho. Transcribimos algunos extractos:

Nueva Orleáns es la más excepcional de las ciudades estadunidenses porque es la única ciudad del mundo que creó su propia cultura completa: arquitectura, música y ceremonias festivas. Fue el melting pot (crisol) original, con una mezcla de españoles, franceses, africanos occidentales y estadunidenses. El choque entre las culturas creó el jazz, la única forma artística que les da objeto a los principios fundamentales de la democracia americana. Por eso se dispersó por el país y el mundo representando lo mejor de Estados Unidos. El pueblo de Nueva Orleáns es el pueblo del blues.

Tenemos capacidad de resistencia y de respuesta a la adversidad, por tanto estamos seguros de que la ciudad regresará. Esta tragedia, sin embargo, ofrece una oportunidad para que los estadunidenses nos demostremos a nosotros mismos y al mundo que somos una nación determinada a sobreponernos a las injusticias de raza y de clase. Necesitamos de la destreza de nuestros mejores ingenieros para rehacer el corazón cultural de nuestra nación.

Demostrémosle al mundo que lo que hace a Estados Unidos la nación más poderosa sobre la Tierra no son las armas ni la pornografía ni la riqueza material, sino el espíritu trascendente y perdurable, algo que hemos olvidado y que esta catástrofe nos da la oportunidad de recordar.

Tercera llamada

A dos años de la tragedia, queda clara la incapacidad de los gobiernos estatal y federal para ayudar a los miles de damnificados, en su mayoría, afroestadunidenses, sin olvidar a los latinos que hoy son la mano de obra barata para la reconstrucción. Es una verdad palpable el abandono en el que está la mayoría de los habitantes y la fragilidad de la infraestructura de diques.

También habría que reconsiderar si es la zona óptima para volver a levantar esa ciudad, que en algunas partes está bajo el nivel de ese río de más de 6 mil kilómetros de longitud. Todas las zonas que fueron inundadas corren el riesgo de volver a quedar sepultadas por el caudal de más de mil 400 millones de metros cúbicos de agua diarios.

En 1927, sufrieron otra inundación histórica, hoy casi olvidada. En esa ocasión, las autoridades llevaron a los afroestadunidenses a punta de fusil a campos de concentración prácticamente para que trabajaran día y noche en la reconstrucción de los diques, y también para que no escaparan hacia el norte, pues las plantaciones se quedarían sin mano de obra barata.

Esa ciudad fundada sobre pantanos llenos de cipreses y sauces en 1718 por Jean Baptiste señor de Bienville que tuvo que esperar a que las aguas bajaran para plantar la bandera francesa, que, un año más tarde, fue destruida por una inundación. Había que ser tercos, pues en 1722 y 1723 nuevamente desapareció del mapa. En esos casi tres siglos, la ciudad ha sido arrasada (huracanes e inundaciones) en 27 ocasiones.*

Respecto a los músicos de Nueva Orleáns, la mayoría ha emigrado o está en el desempleo.

La organización Habitat for Humanity ha iniciado la construcción de 74 viviendas unifamiliares y siete multifamiliares para músicos de edad avanzada. Este centro dará a los músicos un lugar permanente para ofrecer espectáculos a la comunidad y un medio para impartir educación musical. En esta iniciativa participan Harry Connick Jr. (mencionado en Tan esencial como comer) y Bradford Marsalis, quienes idearon el llamado Pueblo de Músicos.

También fue fundada, por y para músicos desplazados, el New Orleans Musicians Relief Fund .

Hace unos días, en un acto mediático, las compañías disqueras le repusieron a Fats Domino sus discos de oro que perdió con todo y casa. ¿Lindo, no?

Si de esta dolorosa experiencia los habitantes de las zonas devastadas (que van más allá de Nueva Orleáns) no cambian su conciencia social y no continúan en la lucha por la defensa de sus derechos, de ese pueblo que, como dijo Wynton Marsalis, se dispersó por el país y el mundo representando lo mejor de Estados Unidos, poco podrá hacerse.

*National Geographic Magazine, agosto 2007, página 60

El gospel

2006-12-15T12:57:00.000-06:00

Festival Navideño en la capital

PRIMERA LLAMADA. De las loas a Dios a la música del tugurio. Así podría iniciar una crónica de cómo fue mi encuentro con el blues, hace ya algunas décadas. Everytime I feel the spirit se titulaba el elepé que en la portada presentaba la fotografía de una cantante negra de nombre Mahalia Jackson (1911-1972).

DIGAMOS QUE ESE efecto mariposa causado por una sorprendente y potente voz la de Mahalia me abrió el entendimiento a otros mundos musicales. Fue el inicio. En mi panteón personal, las dos columnas que enmarcan este umbral son la ya mencionada Mahalia, considerada la más grande cantante de gospel, y el hombre que me otorgó el blues: Willie Dixon.

CANTOS AL SEÑOR y cantos a los hechos de la vida. La esperanza dominical y el canto cotidiano. En ambos casos se canta por tristeza: en el gospel se le canta a Dios o, más bien, se le platica, se le pide que nos lleve por el camino de la luz o a la libertad. En el blues no hay tal libertad, puede ser una candente y dura realidad, pero es precisamente su esencia, canto individual, necesario. Digamos que el primero es un canto hacia fuera, hacia las alturas, plegaria, shouts al Señor; el segundo es hacia dentro, a las entrañas, llorar pa' dentro.

Segunda llamada

LOS HIMNOS EUROPEOS, sajones, blancos y protestantes (la esencia de lo wasp) se les imponen a los esclavos. Una nueva religión aparece en el mundo de los afroamericanos; en la América sajona se les prohibió prácticamente toda manifestación cultural o artística que tuviera sus raíces en su natal Africa. Los dioses yorubas y los santos cristianos se mezclan en la América Latina y adoptan identidades semejantes, equivalentes. Los cantos de trabajo y los espirituales son dos elementos fundamentales del blues.

PERO LAS ESTRUCTURAS melódicas, las armonías europeas (que por cierto desconocían) son cambiadas poco a poco por esta minoría, desde una escala pentafónica hasta las bases rítmicas, que van dando forma a los llamados espirituales negros, que además utilizan esa capacidad natural al canto colectivo que trajeron consigo de Africa. Así convierten estos himnos en una de las más bellas expresiones corales de la música religiosa, no sólo de Estados Unidos, sino del mundo.

Tercera llamada

SE SABE QUE la gran escuela de la cual han salido las mejores cantantes de blues, jazz, soul, pop, etcétera, es precisamente el coro de la iglesia. Los ejemplos abundan: Dianne Woorwick, Diana Ross y Aretha Franklin, cuyo padre fue pastor. La lista es interminable.

DE ESTA TRADICION afroamericana podremos disfrutar dos grupos que vienen al Festival Navideño de la ciudad de México: Peculiar Praise, integrado por 12 elementos del south side de la Ciudad de Chicago. Su característica principal es que aún conservan ese estilo sureño fresco, en el cual las palmas y los gritos forman parte de su canto religioso. Este grupo se presenta hoy en el Teatro de la Ciudad a las 17 horas, y a las 20 horas mañana en el Zócalo capitalino.

LA PROXIMA SEMANA arriban a esta ciudad capital las Gospel Leaders, grupo coral integrado por cinco excelentes solistas del mundo musical de Chicago, cantantes que, por primera vez, se unen para traernos el gospel en las voces de Bridgette M. Harrison, Precious Jewel Taylor, Deitra K. Farr, Tanya Walter y Shirley Johnson.

ESTE SERA UN buen espectaculo con el cual cerrará el ciclo denominado Grandes Series, en el cual tuvimos buen jazz, blues y gospel.

Desde Chicago, la vuelta al mundo en 80 días

2006-08-09T12:49:00.000-05:00

El bluesman Eddie Shaw, en el backstage del foro del Festival de Blues de Chicago, en junio de 2006.
Foto: Raúl de la Rosa

La música es nuestra forma de expresión más antigua, más aún que el lenguaje o la pintura.
La música del hombre
Yehudi Menuhim

Primera llamada

EN EL SIGLO XX, los conciertos masivos fueron una forma de identidad colectiva entre los jóvenes. En ellos, también surgieron nuevas maneras de manipular las locuras colectivas, negocio de billones de dólares. Ese tipo de festivales son el gran fenómeno de la modernidad que se da con el surgimiento de la sociedad de masas y de una industria cultural que se ha expandido por todo el planeta.

LOS FESTIVALES MUSICALES hoy son parte fundamental de la industria del entretenimiento. Son los escenarios donde se consagran y se rinde culto a quienes han logrado marcas en la venta de discos. Pero no sólo, sino que existen esos llamados megaconciertos muy publicitados por la industria del espectáculo, de los cuales existen cientos que cada año convocan a millones de espectadores en una especie de renovación de sus culturas ancestrales.

UN BUEN EJEMPLO es el Festival Glastonbury de Inglaterra, que surgió en 1971 con un modesto encuentro de blues y folk. Asistieron a ese encuentro mil 500 personas, y para la versión de 2005 fueron más de 150 mil los espectadores (este último es considerado el más grande de los festivales de verano en Europa).

ACTUALMENTE PUEDE SONAR absurdo que en la década de los años 30 del siglo pasado en Estados Unidos no podían tocar en el mismo escenario artistas blancos y negros. Pero uno de los productores más importantes del siglo XX, John Hammond (1910-1987), presentó en el Carnegie Hall de Nueva York en 1938 y 1939 los conciertos llamados De los espirituales al swing.

"POR MUCHOS AÑOS tuve la ambición de presentar a talentosos artistas negros de todo el país que no eran aceptados en el mundo blanco de la música popular", comentó Hammond.

EN ESTOS CONCIERTOS participaron, entre otros, Benny Goodman, Count Basie, James P. Johnson, Ida Cox, Big Bill Broonzy, Sonny Terry, Hot Lips Page y el Golden Gate Quartet.

JOHN HAMMOND, APARTE de músico, fue un cazatalentos; descubrió artistas de la talla de Count Basie, George Benson, Leonard Cohen, Michael Bloomfield, Bob Dylan, Aretha Franklin, Billie Holiday, Pete Seeger, Bruce Springsteen y Stevie Ray Vaughan, entre otros, además de ser padre de un reconocido músico de blues: John Hammond Jr.

DE REGRESO A la historia de los festivales, los de Monterey, en California, y de Woodstock, en Nueva York, en la década de los años 60, marcaron la pauta a seguir y una influencia que llegaría hasta nuestro país con Avándaro, en 1971, el cual fue un parteaguas, pues nunca se habían reunido en México cientos de miles de jóvenes convocados por la música.

FUE TAL EL escándalo y miedo hacia los jóvenes, que a partir de entonces se prohibieron los conciertos de rock; lo más grave fue que se ahondaron las diferencias sociales, que permanecen bajo mil facetas. De manera inesperada y discreta, en 1978 se organizó el primer festival de blues en la ciudad de México; éste y los subsecuentes abrieron lentamente las puertas de los conciertos masivos.

CINCO AÑOS DESPUES de ese primer festival se organizó, en 1983, el primer Festival de Blues en Chicago, que desde entonces no se ha interrumpido. A partir de allí encontraron que los festivales musicales son una forma de promoción turística y cultural. En Europa, por ejemplo, el número de personas dedicadas a las actividades culturales es de más de siete millones y los asistentes nuchos millones más.

Segunda llamada

LA BITACORA DE viaje por la tierra de las mil danzas y por la creación musical del planeta la comenzamos el 28 de abril con el tercer Festival Internacional Ollín Kan Tlalpan 2006, el cual tuvo impresionante elenco internacional, que recorrió ritmos y melodías de las llamadas culturas en resistencia en 20 foros.

POR ESE FESTIVAL desfilaron artistas de todo el mundo. Se dice fácil, pero organizar un festejo con más de 300 artistas internacionales y 500 nacionales requiere de una planeación descomunal que culminó el 21 de mayo en el Zócalo de esta renegada capital. Fue realmente un privilegio disfrutar a grupos que de otra manera nunca hubiéramos podido disfrutar, pues no son considerados comerciales. En ellos persiste, bajo mil formas, la memoria ancestral, y sus propuestas son fundamentales para la música contemporánea.

MUSICOS DE AFRICA, Madagascar, Medio Oriente, América y Europa mostraron que ese lenguaje universal nos acerca y que "la música es el hombre en mayor medida que las palabras".

SEGUIR CON ESTE enorme esfuerzo será responsabilidad de las autoridades del próximo gobierno capitalino, pues sólo con la continuidad se perfeccionan, se amplían y se enriquecen estos programas.

LA GIRA CONTINUÓ a principios de junio en el tercer Encuentro de las Artes Escénicas en el contexto del programa México Puerta de las Américas. A ese mercado acuden artistas con propuestas alternativas y de gran calidad.

DEL 8 AL 11 de junio pasado asistí al Festival de Blues de Chicago. La organización es extraordinaria; se realiza en el Grand Park, a un lado del lago Michigan, donde en esta ocasión se instalaron cinco escenarios y dos corredores, uno de comida y el otro para módulos de organizaciones y grupos que promueven ese género.

FUERON CUATRO DIAS de blues y encuentros inesperados: David Honeyboy Edwards estuvo con otras leyendas, como Robert Jr. Lockwood, Henry Townsend y Homesick James, artistas todos con más de 90 años de edad. Un viaje al profundo sur en pleno corazón de Chicago.

EL ESTADO DE Louisiana y la Fundación Mississippi presentaron músicos que cultivan el zydeco, cajun y bluegrass. Había que escoger el escenario para cubrir la mayor parte de los conciertos, misión casi imposible, que continuaba cada noche en los varios clubes de blues que existen en la ciudad de los vientos.

Tercera llamada

ALGO QUE LLAMO la atención fue que los jóvenes estadunidenses eran escasos: el público adulto y blanco formó la mayoría del auditorio, todo lo contrario de lo que sucede en México, donde son más los jóvenes.

A ESTE FESTIVAL también asistieron: Octavio Soto El Charro y Federico Luna, guitarra y armónica respectivamente, tocaron en el Rosa's Lounge, bar fundado en 1984 por un migrante italiano, Tony Manguillo, y que ahora administra Rosa, madre de ese músico. Los dos mexicanos integraron una banda con un bajista estadunidense y un baterista puertorriqueño, fueron la sorpresa de la noche: los cuatro parecían viejos camaradas que esa noche interpretaron un blues intenso y bien ejecutado.

ESCUCHAMOS DOS LEYENDAS: Corky Siegel y Jim Schwall, integrantes de una banda cargada de historia que ha incursionado en la música sinfónica. Hace años grabaron un disco extraordinario con obras de William Russo para banda de blues con la Orquesta Filarmónica de San Francisco bajo la dirección de Seiji Osawa.

EN EL LOCAL de la Blues Heaven Foundation, creada por Willie Dixon antes de su muerte, tuve un emotivo rencuentro con Marie Dixon, su última esposa, con quien me une una vieja amistad. Marie vino a México acompañando a Willie Dixon hace 27 años. Ahora preside dicha fundación, que otorga becas a músicos y realiza actividades diversas. Tiene su sede en el edificio -remodelado- donde estaban los estudios y oficinas del sello discográfico Chess, en el cual se grabaron algunas de las canciones de blues y del rocanrol que más influyeron en estos géneros.

ENTRE 1957 Y 1967, los hermanos Leonard y Phil Chess grabaron a artistas como Muddy Waters, Willie Dixon, Howlin' Wolf, Sonny Boy Williamson y Chuck Berry. Los Rolling Stones y los Yarbirds, a mediados de los años 60, realizaron varias grabaciones, que Bill Wyman describió así: "Las sesiones de grabación de los Stones eran más parecidas a la visita de un santuario".

BUDDY GUY OPINO así: "Los blues están en el corazón de la música popular y Chess Records está en el corazón del blues". En efecto, fue gran experiencia recorrer el edificio del 2120 de Michigan Avenue, cuyos muros están impregnados de una historia mil veces contada y recreada en el génesis del blues urbano.

CON EL FESTIVAL de Jazz de Montreal se cierra nuestro tour. Dicho encuentro se inició con gran incertidumbre en 1980 y asistieron 12 mil espectadores; en la edición más reciente (la vigésima séptima) participaron alrededor de 2 mil músicos, hubo 500 conciertos y asistieron cerca de ¡2 millones de personas!

EN CANADA EL sector cultural contribuye con 40 mil millones al PIB y aporta más que la industria minera y la extracción de gas y petróleo; emplea directamente a más de 600 mil personas. Además de que los proyectos culturales no estén sujetos a los cambios de gobierno.

La transfiguración del blues

2006-05-28T13:42:00.000-05:00

PRIMERA LLAMADA

Como avalancha, en este mes se dieron, uno tras otro, varias actividades relacionadas con el blues. En la semana del 16 al 20, el Centro Cultural Casa Talavera otorgó reconocimentos a todos aquellos que han promovido el blues hecho en México, entre actos paralelos, como conferencias, cine-club y tres conciertos, ahí, en el corazón de La Merced. Y en el bar Ruta 61 se presentó Graná Louise, intérprete de Chicago, quien nos mostró la gran fuerza de ese canto matriz que es el blues. Mujer enorme en ambos sentidos, el físico y el artístico, acompañada por músicos argentinos y mexicanos tocando ese lenguaje universal que es la música. Fue como la cereza del pastel por los dos años de existencia del Hoochie Coochie Bar.

Pero el platillo fuerte llegó el viernes pasado al teatro Metropólitan. Los micrófonos de Horizonte 108 se trasladaron a este foro para realizar un control remoto previo al concierto que dio una de las leyendas del blues de Chicago: Buddy Guy, a quien escuché por primera vez en vivo hace 28 años en el Theresa's Lounge, del South Side de Chicago.

SEGUNDA LLAMADA

Podríamos llamar la transfiguración del blues a lo que un bluesman de 70 años de edad llevó a cabo en el teatro Metropólitan. Nos llevó flotando, por momentos, por los matices más refinados, donde apenas rozaba las cuerdas de su Stratocaster, hasta unos veloces y delirantes punteos por toda la guitarra de la que no dejó espacio por tocar, sobar, abrazar y disparar los dardos sonoros que han hecho de este artista una leyenda viviente.

Lo desalentador es que en eso se quedó la mayor parte del concierto, en momentos en los que parecía que esa pirotecnia en la lira nos iba a llevar por los senderos del blues y arrancarnos pedacitos del alma con los shouts ancestrales; pero no, ante un auditorio más que complaciente, dispuesto a festejar todo, el blus bluus no reinó esa noche.

Si hay algo que me gusta del blues es esa maleabilidad que tres acordes pueden tener: escuchar el Séptimo hijo o Manish boy, de Willie Dixon, o Mojo Working, del Aguas Lodosas, fue como oírlas por primera vez. Los arreglos siempre sorprendentes, y mediante ellos convocó -como conocedor de los ritos ancestrales de su natal Louisiana- a los grandes del blues, y en un momento, su rostro se transfiguró en Mr. Boom Boom, y John Lee Hooker regresó a estas tierras por unos breves instantes; de la misma manera Hendrix estaba ahí, de pie, al lado de las bocinas.

Más de dos mil asistentes fuimos testigos y participantes de un inolvidable ritual, seducidos por un gran predicador del blues, a imagen y semejanza de esos preachers que llevan hasta el paroxismo a su grey. Cuando la banda bajaba de volumen al unísono y matizaba para permitirle cantarnos al oído y susurrarnos, fue genial.

Vivimos retazos de lo que destacados guitarristas opinan de Buddy Guy: "Toca desde un lugar que nunca he escuchado a nadie tocar" (Stevie Ray Vaughan). "No puedes olvidarlo. Trasciende el blues y comienza a ser teatro. Es arte elevado. Una especie de drama teatral cuando él toca" (Jeff Beck). "Buddy Guy es un monstruo absoluto" (Jimmy Page).

La expectativa era grande. El público que casi llenó el teatro escuchaba atento al grupo que abrió el concierto: Real de 14, banda con dos décadas de decantar el blues con una identidad propia. Era un reto: confirmar el porqué este grupo fue invitado al Festival Ciudades Hermanas de Chicago, en 1998, y a tocar en el club Buddy Guy's Legends.

Cuando su banda y el propio Buddy Guy pisaron el escenario, ya tenían al respetable en el bolsillo. Si Buddy pulsa, toca, araña la guitarra con un control absoluto, su manejo de la voz no lo es menos: cantar a 20 metros del micrófono y ser escuchado fue otra exhibición de este gran clown del escenario. A mi lado, la patrona de los músicos me decía al oído: "me gusta que todo el tiempo seduce al público, con las letras, con el manejo de su guitarra, pero siempre se queda en eso, en promesas; no terminó de llegar adonde esperábamos, al orgásmico blues".

AVISO

A partir de este mes, el programa radiofónico Por los senderos del blues, que se transmite por las frecuencias de Horizonte 108 FM, tiene un nuevo y más amplio horario: los martes, de 8 a 10 de la noche.

delarosa-raul@hotmail.com

Yo no tengo miedo...

2006-04-23T10:33:00.000-05:00

PRIMERA Y UNICA llamada. La principal característica del ser humano ha sido y es su movilidad; somos nómadas por naturaleza. Desde la noche de los tiempos en que nuestros ancestros partieron de la natal Africa, cuna de todos los seres que hoy poblamos esta tierra, no hemos parado de caminar, y no hay lugar del planeta donde no hayamos posado nuestros pies viajeros. Hemos sido cazadores, recolectores y agricultores, y hemos cruzado la tierra en busca de alimento, de mejores climas, o sencillamente huyendo del peligro y del exterminio a manos de otros seres humanos.

LO ANTERIOR PERSISTE hasta el día de hoy. El hombre es el principal enemigo del hombre; a lo largo de nuestra breve estancia en este planeta nunca hemos cesado de matarnos entre nosotros; hemos dejado de conjugar el verbo amar.

NUESTRO CONTINENTE SE fue poblando por oleadas de diferentes pueblos, sobre todo de Asia, dando lugar a una extraordinaria variedad de culturas durante miles de años. Con la llegada de los europeos, estas civilizaciones, que se habían desarrollado al margen del resto del mundo, son conquistadas, y comienza la colonización de un continente de más de 40 millones de kilómetros cuadrados.

ASI COMIENZA LA más formidable aventura humana: el Nuevo Mundo. Recibe a millones de inmigrantes de todo el planeta, ya no atraídos por la caza de bisontes o mamuts, sino en busca de mejores condiciones de vida, de una libertad religiosa que en Europa no tenían los nuevos inmigrantes, y combatieron -al punto de exterminio- a las naciones indias que hoy viven en reservaciones.

EN LA AMERICA conquistada por españoles y portugueses el oro es el talismán que atrae a ejércitos de buscadores de fama y fortuna; se destruye el viejo orden y millones son sometidos al poder colonial. Se necesitaban brazos para explotar este inmenso territorio y la mano de obra de los naturales no era suficiente, así, se transportan millones de seres humanos de Africa en contra de su voluntad, como esclavos, como mercancía.

EN ESAS INTERMINABLES mezclas de culturas surge la música necesaria, el canto de un pueblo: el blues. Someter a los esclavos era primordial, borrar todo vestigio de sus propias culturas, no concederles el rango de seres humanos. Más de dos siglos tuvieron que pasar antes de ser abolida la esclavitud, sin embargo, las condiciones de vida no mejoraron mucho para los recién liberados del yugo de la esclavitud.

DESDE ENTONCES, LOS prejuicios y la segregación racial hacia los afroamericanos fueron el denominador común; la falta de empleo y la nula posibilidad de integrarse al resto de la sociedad hacen de esta minoría un ente aparte, la otredad que la América sajona no quiere reconocer ni mucho menos aceptar.

SUS DERECHOS COMO ciudadanos eran inexistentes. Es en la década de los 60 del siglo pasado cuando surge el Movimiento por los Derechos Civiles, encabezado por los líderes de las comunidades negras. Martin Luther King convoca a la famosa marcha hacia Washington, en la cual participaron miles de afroamericanos.

EL EJEMPLO LO dio una pequeña mujer negra: Rosa Parks (1913-2005), quien se negó a ceder su asiento a un blanco e irse a la parte posterior del autobús, como era la norma en esos días. La explicación es sencilla: Rosa Parks y la comunidad afroamericana perdieron el miedo de protestar y manifestarse. Fue el inicio.

LA AVENTURA HUMANA continúa. Son millones de seres humanos los desplazados por las guerras o el hambre. En nuestro país de las maravillas, donde todo está mejor, millones han tomado la iniciativa de arriesgar sus vidas y, en muchos casos, de perderlas, en busca de la pesadilla americana.

AUN RESUENAN LAS voces de millones de indocumentados que tomaron recientemente las calles en la Unión Americana para protestar contra una ley que los puede convertir en criminales; esto no hubiera sido posible si los inmigrantes -en su mayoría latinos- no hubieran perdido el miedo de hacerse presentes en cuerpo y alma a lo largo y ancho del país.

EL MIEDO AL otro, característica de sociedades en crisis, atemorizadas por los nuevos tiempos; el miedo ancestral a la mujer, a los intelectuales, a los negros, a los judíos, a los latinos, a los indígenas; la vieja fórmula del chivo expiatorio.

AHORA, CON LA propaganda mediática, propia del fascismo corriente, tratan de meternos miedo señalando a un candidato como peligroso, y en consecuencia a lo que representa: un hombre que viene del pueblo y que lo representa, esa masa anónima que asusta y atemoriza a una minoría excluyente y predadora. El peligro real es la mentalidad que promueven esos mensajes y que nos remiten a épocas oscuras de la humanidad y que nos recuerdan que la bestia aún existe.

EL QUE ESCRIBE, por lo pronto, ha decidido que el único miedo que tiene es que esas mentalidades, que promueven el odio, lleguen a gobernar este país; es un solo voto, pero aunado al de millones de ciudadanos que ya no tenemos miedo, queremos ver hacia delante y decir en un solo llamado bajo la misma bandera: "Yo no tengo miedo, tengo futuro".

delarosa_raul@hotmail.com

Juárez no debió morir.

2006-04-11T15:07:00.000-05:00

Imagen clásica de Benito Juárez, tocando la flauta mientras cuida su rebaño, que aparece en las monografías

Primera llamada

EN LAS HISTORIAS y biografías sobre Benito Juárez (1806-1872) no existen referencias acerca de su gusto por la música; es más, la mayoría lo han convertido en estatua de bronce. El otro Juárez es poco conocido: el padre de familia, el esposo, aquel al que le gustaba jugar dominó y bailar, sí, leyó usted bien: bailar. Por otro lado, ¿de dónde habrá surgido esa historia de que el niño Benito, cuando pastoreaba a sus borreguitos al lado de la Laguna Encantada, tocaba su flauta de carrizo?

DE PORFIRIO DIAZ sabemos que fomentó la instrucción musical pública en Oaxaca, pero en la historia oficial nuestros personajes son solemnes, enuncian fases célebres, bueno, salvo presentes excepciones, con frases que son de "poca".

LA CONMEMORACION DEL bicentenario del Patricio es buen argumento para reconocer esa catedral que es la música oaxaqueña creada por los habitantes de ese estado, en el cual -dicen- cuando se levanta una piedra aparece un pintor, un músico o un político.

ESTA ES UNA breve crónica escrita en primera persona sobre las vivencias musicales, gastronómicas, etílicas, pero, sobre todo, amorosas.

HA SIDO LA mujer la que me llevó a ese Nuevo Mundo cuando fui a trabajar al dique seco de la Secretaría de Marina en Salina Cruz, para reparar buques de gran tonelaje. Por las calles del puerto transitaban mujeres de enagua larga, Sandungas que se deslizaban y cortaban el aire de manera inquietante.

EN ESAS TIERRAS, los cohetes anuncian igual una festividad, una calenda o un velorio. La curiosidad me llevaba al origen de esos estallidos, hasta que un día me encontré en un velorio. Al día siguiente me incorporé al cortejo fúnebre, tras el ataúd, balanceándose en los hombros de algunos hombres, venían como en tragedia griega las plañideras, los deudos, los amigos y la banda, todos rumbo al camposanto.

"YO ANDABA BUSCANDO la muerte cuando me encontré contigo. De ahí tengo el corazón en dos mitades partido. La una le teme a la muerte, a la otra le espanta el olvido"*, escribió el ahora feliz y tercamente centenario don Andrés Henestrosa.

EN ESOS CAMINOS se madura más temprano, las shuncas primero y los hombres tras ellas.Armado de valor, mis amigos me llevan a la K Z de Tehuantepec en busca de Saúl Martínez, para llevar mi primera serenata a una morena de ojos biches que venía del Espinal, región femeninamente peligrosa: "Quién tuviera miel de colmena en la boca, para poderte besar". Para después sufrir que mi Naila con su ritmo de hamaca, así, suavemente, me abandonaba, tal como predijo el Chuy Rasgado.

Armados nuevamente, pero esta vez con cervezas heladas y mezcal casero, llegamos a La Ventosa, que no cesa de hacerle honor a su nombre. "Si comes totopos con frijoles y camarón de las salinas, nunca te vas a poder ir de aquí", me sentenció Doña Victoria. Cuánta verdad.

ENCARRILADO YA, ASISTO a una vela con tres mayordomas, en la que los dólares de oro refulgían en largas cadenas sobre los pechos de las tehuanas del hondo mar. Bandas por aquí y acullá, que sorprendieron a unos oídos que no esperaban el estallido de un caos perfectamente organizado y una euforia hasta entonces desconocidas.

Segunda llamada

AÑOS DESPUES ASISTO con una pelirroja de radiante cabellera, que dejó su impronta en dos bellas hijas, al Lunes del Cerro, ahora conocido como Guelaguetza (te doy, me das) y en una sola y ardiente mañana, aderezada con mezcal de pechuga, vemos sorprendidos los bailes de las ocho regiones.

DESFILARON ANTE NOSOTROS los sones del Istmo, los bailes de la región de Tuxtepec, los jarabes de la Mixteca y de la Sierra de Juárez, de La Cañada, los jarabes de betaza de los Mixes, chilenas de la Costa Chica y la imperial Danza de la pluma de los Valles Centrales.

DE REGRESO A esta ciudad-capital y en el aprendizaje en esos salones de prosapia, el Cocol y el Califas, intento bailar ese contenido y cachondo baile llamado danzón. Allí, en esos pisos, llevado por las manos y caderas expertas de matronas urbanas, bailo el cubano-mexicano Juárez y el danzón de danzones: Nereidas, de Amador Pérez Dimas, oriundo del Reino de Zaachila.

Y PARA TODOS esos millones de mexicanos que alguna vez hemos estado lejos del cielo, bajo el cual nacimos, surge la nostalgia en ese blusesote que es la Canción mixteca, de José López Alavés, compositor decimonónico, al igual, que aquel que tenía que nacer y vivir lo que vivió: Macedonio Alcalá, para poder escribir el himno regional: Dios nunca muere (me levanto de mi silla), y recreo esa historia que cuenta que las primeras notas de ese vals inmortal fueron escritas en la pared encalada a falta de hojas pautadas.

EL AMOR, UNA vez más, me convoca a la Antigua Antequera, a la boda en la que el que escribe era el pretenso, con novia de huipil de hilos de oro y el resplandor agitados por los aires de la Banda del Barrio de los 7 Príncipes, allá en San Felipe del Agua, con todo y mediuxga y al ritmo de las marimbas; nuestra real dádiva fueron los dos hijos que procreamos.

Tercera llamada

POCOS SABEN DEL tesoro mundial de órganos históricos que durante tres siglos se construyeron por toda la geografía oaxaqueña (1680-1900). Manos de artesanos indígenas copiaron los órganos barrocos españoles. El Instituto Oaxaqueño de Organos Históricos ha localizado cerca de 68 y ha restaurado siete, los cuales están en uso.

ESCUCHAR LAS PARTITURAS de Matías de los Reyes, extraordinario compositor y organista zapoteco, que forma parte de esa pléyade de músicos del glorioso barroco mexicano, en el órgano de la iglesia de Tlacochahuaya, es otra experiencia que nadie debe perderse.

FRENTE A LA colorida portada de Santa Ana Zegache, en un recorrido acompañado por Rodolfo Morales, que patrocinó la restauración de esta iglesia, tuve un esperado encuentro con una mujer que lleva el nombre de la patrona de los músicos, a la que alivié con un poco de lodo la picadura de una hormiga y que, desde entonces, compartimos ese patrimonio de la humanidad: la cocina oaxaqueña.

LA MUSICA DE bandas está presente en todos los ámbitos de la vida de los oaxaqueños, en toda festividad religiosa o cívica, bodas, bautizos o funerales. De la vida a la muerte. En las velas del santo patrón, las bandas preceden el paso de los pendones; esas bandas, que se forman en las postrimerías del siglo XIX, interpretan la música llegada de Europa al estilo y semejanza de sus oídos ancestrales.

LO ANTERIOR ME lleva a una de las más bellas experiencias de vida que he tenido. En compañía de tres artistas, del canto tradicional, del jazz y de la música barroca: Susana Harp, Héctor Infanzón y Horacio Franco, respectivamente, nos remontamos a las alturas, allí donde ningún conquistador posó su planta: Santa María Tlahuiltoltepec, en la Sierra Mixe, lugar de frío y de música. Era el fin de cursos del Centro de Capacitación Musical y Desarrollo de la Cultura Mixe, que ha formado una banda integrada por niños y jovencitos de esa región.

ESCUCHAR EN ESAS alturas a estos prodigios infantiles me llevó a un cielo tangible, de campesinos de huaraches y refajos, que conservan maravillosamente una tradición milenaria, por eso hacen lo que hacen y -sobre todo- cómo lo hacen, no hay más.

FALTAN DECENAS Y me angustio; de Alvaro Carrillo, que sabrá Dios dónde andaba de andariego por Pinotepa. De ese cúmulo de talentos jóvenes, que en el presente llevan la música de sus ancestros más allá de donde la encontraron: Lila Downs, Susana Harp y Georgina Meneses. Trovadores y compositores como el clan de Los López de Juchitán: Mario, Gustavo y el Guajiro. Grupos de jazz como el Nunduva Yaa, Ana Díaz. Oxama y varios más.

BAJO LOS CENTENARIOS laureles del zócalo que dan cobijo todos los domingos a la Banda del Estado, me regreso en el tiempo y me imagino a ese pequeño niño rubio que todos los domingos asistía en su triciclo a escuchar a esa agrupación. Años después el director Amador Pérez le concede, en un acto premonitorio, el derecho de dirigir la banda; la intuición no falló: el niño se llamaba Eduardo Mata (1942-1995).

RECOMENDACIONES: COMPREN PARA sus hijos el libro Juárez con la República bajo el brazo, de Ediciones Tecolote, cuya autora, Claudia Burr, ganó el Premio García Cubas para el mejor libro de historia infantil 2005, y también los cidís: Sones de tierra y nube, con la Banda del CECAM de Santa María Tlahuiltoltepec, y Con todo el corazón, de Georgina Meneses con la Banda Filarmónica de Santiago Zacatepec Mixe.

* Fragmento de la Ixhuateca con letra de Andrés Henestrosa

delarosa_raul@hotmail.com

La última y nos vamos.

2006-01-29T12:10:00.000-06:00

Primera llamada

PARECE QUE NOS la tomamos en serio, ni fue la última, ni nos fuimos a ningún lado, tan sólo hibernamos. En el 2006 se hace necesario un recuento, y éste se inicia el sábado 16 de diciembre del año 2000. En esa fecha se publicó por primera vez esta columna; hace un lustro que escribimos para ustedes, nuestros lectores, una historia apasionante, la de millones de seres humanos que tuvieron las condiciones más adversas de vida y que crearon la música seminal del siglo XX de Norteamérica: el blues.

ESTA AFICION POR el blues ha tenido varias etapas. La primera es previa a la realización del primer festival de blues en México (1978): en el mes de junio de ese mismo año iniciamos la serie radiofónica Tiempo de blues, que se mantuvo al aire durante una década por las frecuencias de Radio Educación, y tres meses después dio inicio el primer festival, en la sala Nezahualcóyotl.

DE ESTOS FESTIVALES, hasta la fecha se han realizado nueve, y nuestro objetivo en este año será organizar el décimo; total, soñar no cuesta nada. En 2005 iniciamos la serie Por los senderos del blues, ahora por las frecuencias de Horizonte 108 FM, todos los domingos de 20 a 21 horas. En febrero cumpliremos un año de estar al aire.

EN NOVIEMBRE DE 2005 el bar Ruta 61 *, dedicado al blues, en donde se bebe blues en buena compañía, cumplió ya un año. Para el jueves primero, viernes 2 y sábado 3 de febrero se va a presentar en ese local nada menos que Billy Branch, que algunos seguramente recordarán como la armónica de la banda de Willie Dixon: Chicago Blues All Stars, en los festivales de blues. Heredero de Walter Horton y de James Cotton, Billy estará de regreso a nuestro país en esos tres únicos días.

EN PUERTO ESCONDIDO, Oaxaca, se está celebrando un festival de blues, organizado por el guitarrista canadiense Jack De Keyzer; lo sorprendente es que éste tiene una duración de 14 días, en los que se presentan varios blusistas canadienses. Para mayores informes, consultar: www.puertobungalows.com/ puertoblues.htm.

Segunda llamada

EN JALISCO, LA Universidad de Guadalajara abrió un gran espacio para ferias, festivales, conciertos, etcétera, en el municipio de Zapopan. Dentro de este espacio dedicado al esparcimiento y la cultura inauguraron un nuevo local llamado El Cavaret (así, con v labiodental), en el que darán espacio al jazz, blues, trova contemporánea, tango, rock, comedia, etcétera. Interesante propuesta alternativa para los habitantes de Guadalajara.

DURANTE EL MES de febrero, Horizonte 108 FM, del Instituto Mexicano de la Radio, realizará varios controles remotos para celebrar sus seis años de vida, con una programación sustentada en el jazz, el blues, música del mundo, etcétera. También en el 2005 se formó la Asociación Mexicana de Amigos del Blues AC, con la página web http://amblues.org.mx. Esta asociación está integrada por aficionados al blues, músicos y promotores, cuyo interés primordial es promover a los grupos mexicanos, entre otras actividades. El 11 de febrero, Alfredo Reyes (alias Freddy King) organiza el decimoquinto Encuentro de Blues en el teatro Carlos Pellicer, en Xochimilco.

OTRO PORTAL DIVERTIDO y bien diseñado es: www.ruta61.com, en el que se cuentan historias del ínclito escritor Agustín Aguilar Tagle, que a todo le da vuelta, y un simple viaje a Aguascalientes en autobús se vuelve una narración desbordada de un puñado de músicos rumbo al Festival Aguasblues. También se puede tener acceso a los artículos publicados en La Jornada del que escribe, y cometarios eruditos de Octavio Herrero sobre la historia del blues.

Tercera llamada

TERMINO ESTA COLUMNA con un ejemplo de vida: de paseo por el Desierto de los Leones, acompañado del pintor Fernando Robles y su tío Macario, sonorenses de pura cepa, nos encontramos con dos ciclistas (padre e hijo) que en su camiseta tenían impresas las palabras: Iron Man (hombre de acero), deportistas que compiten en triatlones. No resistí confrontar dos visiones de vida. Me explico:

FERNANDO ROBLES ES grande, como artista y como persona (mide cerca de 1.90 m y pesa más de 100 kilos), lo que lo colocaría, según parámetros actuales, como una persona que no podría hacer deporte, y menos de los llamados extremos. Después de ver las bicicletas ultraligeras de estos hombres de acero, les comenté: "¿Ven a ese hombre?, pues ahí como lo ven se fue hasta la misma Patagonia en una bicicleta de lechero (pa que lo aguantara con todo y equipaje)". Ante el asombro de ambos, el padre preguntó: "¿Y no está en los récords Guinnes?"
Y ASI CONTINUO el interrogatorio: "¿Y cuánto tiempo le tomó llegar hasta Argentina?" La respuesta fue lacónica: "Siete años". "¿Siete años? ¿Y en dónde inició el viaje?" Fernando les respondió: "En San Diego, California; allá del otro lado". No sé qué pensamientos les habrán cruzado por la mente a ambos, pero se despidieron con una buena dosis de asombro e incredulidad.

HABIA SIDO TESTIGO de la confrontación de dos visiones del mundo, de dos ideologías opuestas. Los hombres de acero miden, cuantifican; el mundo está en las cifras, el performance liberal. Nahuel, cantor argentino, comentaba: "Para los políticos, la cultura es el número de lugares vendidos". No se mira más allá de esa matriz Excel, no se considera lo cualitativo, los criterios de calidad, originalidad, creatividad, aporte educativo, el patrimonio cultural; no son bienes tangibles.

AHORA LO IMPORTANTE, en el mundo de la cultura y en la política también, se sustenta en su repercusión mediática. Cifras y más cifras: "Nunca antes tantos mexicanos habían tenido... bla, bla, bla. "El récord de funciones-fraude en el Auditorio Nacional lo tiene una jovencita que en todas ellas cantó con playback".

COMO DIJO FERNANDO ROBLES: "La prescripción social me limitaba, por no tener la preparación física de un iron man; con mi peso, mi edad (alrededor de los 50), mis hábitos alimenticios, el diagnóstico era: 'este ciudadano está afectado de sus facultades físicas, y sobre todo de sus dudosas facultades mentales'.

"PERO FUI FLEXIBLE conmigo mismo", finaliza Fernando. Algo aprendí: las cifras de la gente buena, del mercado del star-system, nulifican el aprendizaje, el intercambio cultural, la experiencia humana y, sobre todo, la inspiración del artista, en ese viaje imposible de argonauta solitario, que regresó siete años después a su Itacate personal y excepcional.

GUARDADAS LAS DISTANCIAS, hay una analogía cuando iniciamos los festivales de blues en México. Hoy seguimos caminando por esos senderos. Será difícil ver a un blusista en las listas de los artistas que más discos venden. Cuando estos oscuros (literalmente hablando) mujeres y hombres crearon su canto necesario, nunca pensaron en el beneficio monetario, minorías esclavizadas que nunca llegaron a conocer los llamados derechos humanos. Sobre ellos y sus descendientes, seguiremos rescatando esas maravillosas historias; aún nos queda un largo sendero que pedalear.

*Ruta61: Baja California 281, colonia Hipódromo Condesa, teléfonos 3096-3021 y 5211-7602
delarosa_raul@hotmail.com

Clarence Gatemouth Brown

2005-10-31T19:37:00.000-06:00

Primera llamada

EN MEDIO DE tantos torbellinos, huracanes e inundaciones pasó
casi desapercibida la muerte de Clarence Gatemouth Brown, músico
a quien varios consideramos en los terrenos del blues, pero el
boca de puente lo negaba rotundamente y casi enojado contestaba:
"No soy un bluesman, ni de country ni de jazz, ni zydeco ni de
calypso. Sólo soy un músico estadunidense que toca música del
mundo al estilo tejano".

EN 1982 gano el Grammy por la mejor grabación deblues
tradicional (Alright again!). Es cierto que en la región en la
que creció -la frontera de Texas con Louisiana-, las mezclas
culturales son intensas, cohabitan géneros como al música tejana
con todo y su carga de sonidos norteños de México, la música
country, el blues y géneros con influencia francesa como el cajun
y el zydeco.

CLARENCE BROWN SIEMPRE fue considerado uno de los grandes
exponentes del rythm & blues tejano y su trayectoria -para no
variar- es una copia al carbón de la mayoría de los bluesmen:
nació en 1924, en Vinton, Louisiana, y a los 3 meses fue llevado
a Orange, Texas, lugar en el que 81 años más tarde murió.

Segunda llamada

SU PADRE FUE músico y ferrocarrilero, y durante los fines de
semana tocaba el banjo y el violín con una banda que interpretaba
cajun y bluegrass; dos hermanos de Clarence fueron también
talentosos músicos: Bobby, baterista, y James, guitarrista.
Clarence abandonó el hogar de sus padres a los 16 años de edad
para realizar una gira como baterista. También fue excelente
guitarrista y violinista, instrumento que ejecutaba desde los 10
años.

ESTUVO EN EL ejército durante la Segunda Guerra Mundial.
Posteriormente se integró a la banda de Hart Hughes, en San
Antonio, Texas. Fue admirador de T-Bone Walter, por lo que
decidió dedicarle más tiempo a la guitarra. Como todo buen
blusista no estuvo exento de esas historias, mezcla de verdad y
fantasía.

CUENTA LA LEYENDA que un buen día Clarence acudió a escuchar a
T-Bone Walter en el club Bronze Peacock, en Houston, y que éste
tuvo que retirarse del escenario por un malestar estomacal,
oportunidad que aprovechó Brown, quien inmediatamente tomó la
guitarra y fascinó al público. Al escucharlo, T-Bone regresó
furioso y le arrebató la guitarra advirtiéndole que no volviera a
tocarla.

LO QUE SI fue un hecho fue que el dueño del club Don Robey le
compró una Gibson L-5 con las que Clarence grabó sus primeras
piezas.

EN 1953 TOCO con Big Mama Thornton, década que fue su mejor
época: grabó varios éxitos y al igual que músicos como Little
Richard, Bobby Bland, Johnny Ace y varios más, fue explotado por
Don Robey, que incluso firmaba con seudónimo para apropiarse de
las regalías que correspondían a los autores.
Tercera llamada

EN 1971 VIAJO a Europa con el Chicago Blues Festival y en
Francia grabó para el sello Blue Star, acompañado por Canned
Heat. Participó en los Festivales de Jazz de Montreux y Newport.

EN LAS SESIONES de grabación del disco Talkin' Timbuctú,
interpretado por Ali Farka Toure y Ry Cooder, Clarence participó
con su viola en algunas piezas, en momentos en los que él
consideró que el instrumento podría aportar ese sentimiento del
blues.

EN SUS ULTIMOS años, Clarence padeció cáncer en la garganta, lo
que lo alejó de los escenarios. Su última grabación, Back to
Bogalusa, la hizo en 2002.

LA NOTICIA DE su muerte fue dada a conocer durante los sucesos
de Katrina.

Mahalia Jackson

2005-05-08T19:45:00.000-05:00

La Reina del Gospel

Primera llamada

SIN DUDA ALGUNA, los cantos religiosos son el rito colectivo más importante de los afroamericanos y el blues su canto individual, ambos buscan el alivio de las tribulaciones de la vida. Ambos son lo mismo: el gospel es la forma religiosa del blues o el blues es la forma profana del gospel.

EL VERBO TRANSFORMADO en palabra, en mensaje. Primera y afortunada fusión de los himnos protestantes europeos transformados en espirituales* por la minoría negra en su rítmica y en su armonía (sencillamente desconocían el concepto europeo de armonía) enriquecidos además con la polifonía, de herencia africana.

HE MENCIONADO EN múltiples ocasiones que la mejor escuela que han tenido las más grandes cantantes de blues, jazz, soul, rock, etc. ha sido el coro de sus iglesias y de todas las cantantes de gospel hay una que es considerada como la más grande: Mahalia Jackson.

MAHALIA, HIJA DE una modesta lavandera y de un padre mil usos: estibador, barbero y predicador, nació el 26 de octubre de 1911, en Nueva Orleans. A los 5 años quedó huérfana de madre, por lo que fue mandada a vivir con un hermano y una numerosa prole. Mahalia creció al lado de la Holiness Church, donde se formó en los cantos religiosos y con las notas del incipiente jazz de Storyville.

Segunda llamada

A LOS 16 años decidió estudiar enfermería y emigró a Chicago, donde se integró al coro de la iglesia. Al mismo tiempo que abrió una florería y un salón de belleza, se inició cantando formalamente con los Johnson Gospel Singers.

CONOCIO A UN joven empresario, Isaac Hokenhull, con quien contrajo matrimonio en 1936. Hokenhull fue el primero en darse cuenta del gran potencial de la voz de Mahalia, por lo que le sugirió "no andar gritando (shouting) en las iglesias ganando sólo centavos toda la vida". La convenció de hacer una audición para Decca Records, en donde cantó Sometimes I feel like a motherless child e inmediatamente le extendieron un contrato.

PODRIAMOS DECIR QUE en esa ocasión se inició su leyenda. Jackson se negó a firmar pues no quería cantar blues, inclusive el mismo Louis Armstrong le propuso un día integrarse a su banda: "tu sabes qué hacer con el blues", a lo que ella contestó: "sí se qué hacer con el blues: no cantarlo".

JAMAS ACEPTO JUGOSOS contratos para cantar en centros nocturnos. Más tarde, conoció un extraordinario músico: Thomas Dorsey (nada que ver con Tommy y Jimmy Dorsey), con quien trabajó por mas de 14 años. La dupla Jackson-Dorsey fue el parteaguas entre los espirituales y el gospel, pues Thomas Dorsey fue el creador de la música bautizada por él como gospel, por lo que es considerado como el padre de este género religioso-musical.

PERO, ¿A QUE le llamaban gospel? Sencillo: a una combinación de los cantos religiosos (spirituals) con melodías y ritmos de blues y jazz, en los que la polirritmia suplía los ausentes toques del tambor.

Tercera llamada

DORSEY, HIJO DE un predicador y una madre pianista, nació en Villa Rica, Georgia (así en español). Autor de más de 400 piezas de jazz y blues, en 1925 formó la banda que acompañaría a Ma'Rainey: la Wild Cat Jazz Band. Los aficionados al jazz lo conocieron con el nombre de Georgia Tom. En 1932 murieron su esposa e hijo durante el parto y a partir de entonces se dedicó a escribir y ser el mas importante promotor de la música gospel. Creó un sello discográfico y fue el primero en cobrar la admisión a sus funciones.

TAMBIEN PROMOVIO UNA nueva generación de cantantes, como Clara Ward, Marion Williams, las Gospel Harmonettes, los Staple Singers y algunos cuartetos, tríos, etc. Una anécdota poco conocida es que un día descubrieron que entre los asistentes a la iglesia estaban fieles que querían ser estrellas del rocanrol y querían escuchar al coro del que salían excelentes grupos y cantantes. De hecho, Elvis grabó Peace in the valley.

LA MAS PROMINENTE, sin duda, fue Mahalia Jackson, que siguió cantando alrededor del mundo el gospel (palabra de Dios). En 1950 se presentó en el Carnegie Hall y en 1953 fue por primera vez a Europa de la mano de Hughes Panassié, el famoso crítico de jazz francés que llevó a Europa a las leyendas del jazz de Nueva Orleans; en 1958 actuó en el Festival de Jazz en Newport.

EN LOS AÑOS 60 Mahalia apoyó a Martín Luther King en su lucha por los derechos civiles y una vez más recorrió el mundo, donde fue recibida por emperadores, reyes, presidentes, el Papa... era ya una celebridad mundial.

EL 27 DE enero de 1972 Mahalia Jackson falleció de un ataque al corazón en la ciudad de Chicago; sus funerales, a los que asistieron miles, fueron dignos de una reina, la Reina del Gospel.

SON INNUMERABLES LAS cantantes influenciadas por Mahalia y que crean el movimiento soul, y que con otros contenidos entraron al mundo de la música comercial: Aretha Franklin, Donna Summer, Diana Ross. Inclusive, en México, Toña la Negra declaró que sus grandes influencias habían sido Ella Fitzgerald y Mahalia Jackson.

NOTA: ESTE DOMINGO, el programa Por los senderos del blues estará dedicado a Mahalia Jackson. Escúchelo por Horizonte 108 F.M. a las 20 horas.

*En 1867 se publicaron en el Atlantic Monthly 36 espirituales negros, quizá la primera transcripción al papel de esos cánticos

T-Bone Walker y el instrumento que lo consagró

2005-04-10T18:58:00.000-05:00

Primera llamada

SIEMPRE ME HAN dado risa los estereotipos, y sobre todo los aplicados
a los blusistas: van desde el guitarrista ciego ganando unos centavos
como músico callejero o la vida destrampada de muchos de ellos,
rodeados de leyendas fantásticas y pactos diabólicos, aderezados con
mujeres y harto whisky.
TAMBIEN SON COMUNES los apodos, llenos de ingenio o descriptivos, en
el blues abundan los fats (gordos) y los slims (flacos) los y las bigs
(grandes) y sobre todo los blinds (ciegos). En alguna ocasión hablé de
la realeza representada en estos sencillos y extraordinarios músicos:
duques, condes, emperatrices, reinas, reyes y príncipes, son tan sólo
una parte de esa cohorte del blues y del jazz.
PERO PARA AARON Thibeaux Walker, su nombre real, el apellido se
simplifica de Thibeaux a T-Bone, y así pasó a la historia del blues
como: T-Bone Walker. El joven Walker no fue la excepción, lleva una
vida agitada, le gustan las mujeres, el juego y el alcohol. La bebida
es su principal problema y es lo que años más tarde terminaría con su
vida.
EN LA HISTORIA de la música, siempre han existido músicos poseedores
de algo excepcional que cambia el desarrollo de la misma, y para el
blues, T-Bone Walker es esa piedra de toque que contribuye a la
evolución de la guitarra eléctrica.
Segunda llamada
EJECUTANTE DEL BANJO, la mandolina, el violín, el ukelele, la guitarra
acústica, el piano y el órgano, pero fue la guitarra eléctrica en
donde puso sus reales manos. Nació en Linden, Texas, en 1910, de
padres cantantes y abuela cherokee; al separarse sus padres se va a
vivir a la casa del abuelo materno.
LA POBREZA A veces agudiza el ingenio, por lo que, al igual que
cientos de músicos, el niño Aaron se construyó su primera y
rudimentaria guitarra y, al igual que la inmensa mayoría de la
comunidad afroestadunidense, su primera formación la tuvo en el coro
de su comunidad, en la Holy Ghost Church, y más tarde con su
padrastro, que tenía su propia banda y le permitía cantar.
A LOS 10 años le sirvió de lazarillo por las calles de Dallas a una
leyenda del blues, el también texano Blind Lemon Jefferson, al que
guiaba y acompañaba con la guitarra, recibiendo en un bote las
monedas, recipiente que hacia sonar para guiarlo; aunque esto es sólo
una anécdota, es indudable que la influencia que el Limón Ciego tuvo
en el niño Aarón Walker fue definitiva.
Tercera llamada
LOS COMENTARIOS QUE Carlos Tena hace en su obra Los maestros del
Blues, resumen bien lo que fue este guitarrista: "Si hay una persona
que pueda ser considerada fundamental en el desarrollo de la guitarra
eléctrica deblues, ésta es T-Bone Walker, un músico fronterizo, ya
que existe un antes y un después en la vida de T-Bone. Sin su estilo y
sus aportaciones, B.B. King, Buddy Guy, Otis Rush, Chuck Berry, Jimi
Hendrix, Stevie Ray Vaughan, James Brown, Isaac Hayes y muchos otros
artistas no habrían tenido un sólido punto de apoyo".
Y CONTINUA TENA: "Consiguió un nuevo papel para la guitarra y fue un
virtuoso que utilizaba técnicas y recursos jazzísticos que otros
bluesmen ni siquiera imaginaban"; y agrega: "algunos aficionados no lo
consideran un genuino bluesman por tocar con músicos de jazz o por
introducir elementos extraños en el blues".
TAMBIEN ES CIERTO que, al igual que W.C. Handy pasó a la inmortalidad
con su San Luis Blues, Walker lo hizo con Call it stormy monday,
composición que ha sido grabado por numerosos cantantes de jazz. Por
lo general, sus grabaciones discográficas las realizó acompañado con
orquesta, pero sus presentaciones personales las hizo con pequeños
grupos de dos o tres elementos.
OCTAVIO HERRERO, GUITARRISTA del grupo Las Señoritas de Aviñón, me
comentó que con el éxito y los años Walker se volvió muy tacaño y no
quería pagar una buena dotación de músicos; en las giras, él viajaba
solo y había que formar al vapor un pequeño grupo que lo acompañara,
con resultados poco convincentes.
EXISTE UNA GRABACION por demás interesante de 1973: la pareja exitosa
del Rythm & Blues y del Rock'n & Roll, Jerry Lieber y Mike Stoller, le
produjeron un disco en el que participaron nada menos que: Dizzy
Gillespie, Herbie Mann, Gerry Muligan, Zoot Sims y un largo etcétera.
ES IMPORTANTE DESTACAR el Premio Grammy que T-Bone recibió en 1970 por
su álbum Good Felling. Cinco años más tarde, el 16 de marzo de 1975,
murió en un hospital de Los Angeles.
HACE EXACTAMENTE 30 años que T-Bone Walker entró al mundo de las
leyendas del blues, y para recordarlo hoy domingo le dedicaremos el
programa Por los senderos del blues, que se transmite todos los
domingos de ocho a nueve de la noche, por Horizonte 108 de F.M. En los
comentarios me acompañará el ya mencionado Octavio Herrero,
extraordinario guitarrista y fan de T-Bone Walker. Así también tendrán
la oportunidad de escuchar la obra de este músico excepcional.

Odisea del blues

2003-01-06T16:53:00.000-06:00

Lunes 6 de enero de 2003

Odisea del blues

Primera llamada

UNO DE LOS lugares fundamentales para visitar cuando se viaja al extranjero lo constituyen las librerías. Desafortunadamente en nuestro país son pocas las editoriales, más escasas aún las librerías y no se diga los lectores (tenemos uno de los índices más bajos de libros leídos per cápita en el mundo). Leí por ahí que la ciudad de Barcelona tiene más librerías que las que existen en todo México.

Segunda llamada

EN PHOENIX, ARIZONA, el último día del año, fui a una librería de la cadena Borders. En la sección de música sólo encontré tres libros sobre blues: dos eran guías-enciclopedias, con una breve biografía de los músicos, y sus discos mas importantes. Sobre jazz y rock había muchos más, pero lo que buscaba era un libro escrito por algún investigador o musicólogo con otros enfoques a los comunes. Una búsqueda minuciosa me llevó a encontrar, casi oculto, un libro titulado Bill Wyman's blues odyssey, a journey to music's heart and soul (La odisea blusera de Bill Wyman: un viaje al corazón y al alma de la música).

LO PRIMERO QUE pensé fue: "El autor se llama igual al que fue bajista de los Rolling Stones", el que dejó a la banda en 1993 y se dedicó a administrar su cadena de hamurgueserías, Sticky Fingers. Tiempo después Wyman grabó con los Rythm Kings varias versiones de blues, jazz y R & B. Inquieto siempre, escribió un libro sobre su experiencia con los Rollings: Stone alone: the story of a rock & roll band (Piedra sola: la historia de una banda rocanrolera).

ES CONOCIDA LA historia de cómo las bandas inglesas retoman el blues, proyectándolo al mundo, e incluso son ellas las que lo dan a conocer a los jóvenes blancos de Norteamérica; de hecho, algo parecido sucedió en nuestro país con Eric Clapton y los Yardbirds y, sobre todo, con John Mayall y sus Bluesbreakers.

Tercera llamada

EN EL PROLOGO del libro se sintetiza la influencia del blues en estos músicos ingleses y su reconocimiento, Bill Wyman escribió: "Nací en el sureste de Londres en los inicios de la Segunda Guerra Mundial y, aunque mi padre tenía trabajo, estábamos lejos de estar bien, la vida era una constante lucha. Años después descubrí que muchos músicos negros crecieron en el Sur de Estados Unidos en circunstancias difíciles, algo que yo compartía. Sin embargo, no compartía lo espantoso de la segregación y los problemas de ser tratado como ciudadano de segunda.

"EN LA ADOLESCENCIA descubrí la música y después me incorporé a la Real Fuerza Aérea; encontré que amaba la música que tenía sus raíces en el sonido de la gente negra del sur de Estados Unidos: la manera de cómo la aprendí fue como un eco del camino que sus ancestros les enseñaron: fue la tradición transmitida oralmente. Aprendí mucho del blues y hay mucho que aprender del blues más de lo que la gente piensa.

"FUE UNA GRAN fortuna haber sido miembro de los Rolling Stones, me colocó en una posición de estar involucrado en el árbol de la familia musical con algunos de los más grandes músicos de los últimos 50 años.

"ESCUCHANDO EL BLUES he aprendido mucho sobre historia, de temas sociales y de la vida misma. Quiero tener la oportunidad de decirle a la gente acerca del porqué yo la amo y compartir con ellos esta herencia. Mi Blues odyssey es una oportunidad para reconocer mi deuda con los hombres del blues y las mujeres que, no sólo me ayudaron a entender el maravilloso y rico tapiz musical que me dio horas sin fin de placer musical."

EL PRECIO DEL libro no es muy accesible -más de 400 pesos-, pero si alguien quiere regalarse 400 páginas (a peso la página), soberbiamente impresas, con interesantes ilustraciones y fotos -algunas inéditas- y un texto conciso, sin desperdicio, escrito al alimón con Richard Havers, esta es una buenísima oportunidad de tener uno de los mejores libros que sobre el blues conozco. La editorial es DK Publishing. Inc. La impresión fue realizada en Italia.

delarosa_raul@hotmail.com

Reconsideraciones

2001-08-11T16:46:00.000-05:00

Sábado 11 de agosto de 2001

Primera llamada

AL ESCRIBIR UNA columna dedicada a un género musical, como es el caso de ésta, debe tomarse en cuenta que no todos los posibles lectores conocen de blues. Hemos recibido algunos e-mails en los que nos piden ampliar la información sobre su historia, estilos, épocas e intérpretes. Estoy de acuerdo, pero también tengo presente que leer sobre un género musical sin escucharlo es como un diálogo entre sordomudos: se entiende pero no se oye. Para el blues la palabra escrita no basta, falta el audio. Alguien opinará que para eso está la radio, pero si algún lector tiene curiosidad y quiere conocer algo de blues, sólo tiene que comprar unos cidis y quizá se convierta en aficionado a este género, cuna de gran parte de la música popular contemporánea.

RESULTA IRONICO Y contradictorio a la vez que el blues, género marginado, creado por la minoría negra de Estados Unidos haya logrado influir en forma relevante en casi toda la música popular de ese país y de otros más.

Segunda llamada

ES LUGAR COMUN decir que "nace" en el profundo sur de EU (el deep south), en el delta del río Mississippi. En las riberas del viejo río y en los campos de algodón surge lo que se considera blues primitivo. Se sabe también que es en Africadonde surgen elementos y tradiciones que habrían de conformar este género, pero también la música europea influyó notablemente, principalmente los géneros musicales provenientes de las Islas Británicas, de países como Irlanda, Inglaterra, Escocia y Gales, pero también el Caribe y las Antillas menores aportan estilos y ritmos que se incorporan al blues en su más amplia acepción. Entre éstos está la habanera, otro género matriz, que tanto influyó en la música popular y sinfónica en los siglos XIX y XX. De Haití llegó la tumba francesa con los haitianos que lograron llegar a las costas de Luisiana a raíz del inicio de la independencia de ese país (1791).

SUELE HACERSE UNA división entre el blues y los espirituales (himnos religiosos de origen europeo y protestante); estos himnos fueron transformados en lo rítmico y en el uso de la escala pentatónica de origen africano pero contienen el mismo sentimiento (feeling) que los blues. En los espirituales se canta a Dios, son cantos de esperanza. Los blues hablan de los hechos de la vida: de la esclavitud y de la segregación racial; son también un canto de protesta y una forma irónica de ver y reírse de la vida.

Tercera llamada

HABLAR DE MUSICA negra en EU es hacer una larga lista que incluye baladas, ministriles, jazz, blues rural y urbano, cantos de trabajo, hoolers, soul, gospels y espirituales, boogie woogie, rag time, funky, twist, swing, rock and roll, rythm & blues, zydeco, motown, rap, cantos de prisión, asi como gran cantidad de estilos derivados de estos mismos géneros.

ES DIFICIL ENCONTRAR en las listas de los discos más vendidos algún artista de blues. En las estaciones de radio es difícil encontrar programas de blues. Los hay, es cierto, pero en estaciones locales o culturales. Sin embargo, a pesar de que el blues no está en las listas de la popularidad comercial, éste sobrevive como la música primigenia, que ha tenido la capacidad de evolucionar y permanecer como una apasionante historia dónde el talento, la ironía y el canto se conjugan en el presente. Blues habemus.

delarosa_raulhotmail.com

Son Seals

2001-08-04T16:31:00.000-05:00

Sábado 4 de agosto de 2001

Primera llamada

SI ALGO HABIAMOS aprendido del primer festival de blues fue que el público que había asistido era heterogéneo. Jóvenes que conocían de blues, rockeros que de vez en cuando soltaban su famoso grito: ¡queremos roock¡, adultos que en su juventud habían bailado el blues y que se sorprendieron con las guitarras eléctricas, armónicas y batería que poco tenían que ver con las orquestas que tocaban este género en los salones de baile de esta ciudad de México, en la década de los años 30 y 40. Había también aquellos que fueron picados por la curiosidad y a partir de entonces se volvieron aficionados al blues. La selección de los participantes en el segundo festival se hizo con el fin de mostrar la variedad de los distintos estilos y ritmos que el blues contiene.

MENCIONAMOS EL DOMINGO pasado cómo se fueron integrando los músicos que habían aceptado la invitación para el segundo festival. El elenco hasta ese momento estaba integrado por: Muddy Waters, Willie Dixon y sus Chicago Blues All Stars y la primera mujer que actuó en estos festivales: Koko Taylor.

Segunda llamada

FALTABAN DOS GRUPOS: uno que representara a la nueva generación de blusistas y un exponente del boogie en el piano. Una vez mas Jim y Amy O'Neal nos salvaron al invitarnos a un club en el que se presentaba un grupo lidereado por un extraordinario guitarrista.

SON SEALS ERA el líder de ese grupo, tenía 37 años. Su padre, Jim Seals, decía que Frank el menor de sus 13 hijos: ''había conocido el blues antes de dejar la cuna", pues nació en la parte trasera de un club de su propiedad que tenía en Osceola, Arkansas.

A LOS 13 años Frank tocaba la batería acompañando a Robert Nighthawk. A los 18 cambió la batería por la guitarra, formó su propia banda y en 1966 se integró al grupo de Albert King en una gira por California. Al morir su padre, en 1971, se traslada a Chicago y se integra al elenco que tocaba regularmente en el Psychedelic Shack de la calle 43. A ese lugar asiste Bruce Iglauer, director de Alligator Records (de quien tendremos que escribir un artículo dada su importancia dentro de los sellos grabadores de blues). Bruce lo invita a grabar para su sello y en 1973 aparece su primer disco como solista.

HAY HISTORIAS PARALELAS con los bluesmen que crecen dentro de una familia de músicos. Su padre, Jim Seals, era guitarrista, trombonista, pianista y baterista (el típico hombre orquesta), y tenía en Osceola, Arkansas, el Dipsy Doodle Club. Ahí, en la parte trasera del club, estaba el hogar de los Seals y es donde nació Frank, que mas tarde se convertiría en Hijo de Seals (Son Seals) un 13 de agosto de 1942.

ESA NOCHE APRECIE escuchar en vivo a este músico. El ambiente y la interlocución que tenía con el público me emocionaron. Jim y Amy hablaron con Bruce Iglauer y éste con Son Seals, quien aceptó venir a México. Teníamos ya cuatro grupos, faltaba uno.

Tercera llamada

DE LOS PIANISTAS de la época del boogie woogie la mayoría habían muerto. Willie Dixon localizó a un amigo al que le pidió información sobre un pianista de los años veinte. Al día siguiente nos habló Jim O'Neal para decirnos que Blind John Davis, pianista y cantante, podía ser el músico que faltaba. Nunca imaginé al personaje que habría de ser el quinto artista que asistiría al segundo festival.

DE UNA ENTREVISTA que le hizo Roberto Ponce a Blind John Davis para el diario Excelsior (noviembre de 1979) reproduzco algunos fragmentos: "Nací un 7 de diciembre de 1913. A los dos años y medio mis padres dejaron los campos de algodón y se fueron a vivir a Chicago. A los 9 años quedé ciego."

"TRABAJE PARA AL Capone, Diamond y todos los famosos gansters de la época. Ganaba mucho dinero, más de propinas que de mi salario en aquellos cabarets y nunca tuve miedo de tocar para ellos, porque fue una época inolvidable que me redituó mucho dinero".

"HE GRABADO CON la mayoría de las grandes estrellas del blues: Big Bill Broonzy. Lonnie Johnson, Memphis Slim y muchos mas; toqué con todos y he grabado mas de tres mil elepés entre todos los blusistas que he acompañado."

ESTE ERA EL quinto músico, la terna estaba completa. Faltaban sólo unos meses para verlos en vivo en el Auditorio Nacional.

delarosa_raul@hotmail.com